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Cuando la academia baila al son de la música

por Lic. Mariana Signorelli

En aquellos días, cuando la peste no nos tenía al acecho, vivimo un intenso y sustancioso encuentro académico en el corazón del Caribe. Si a eso le sumamos que fue mi primera vez en la isla de Cuba y en la ciudad de La Habana, espero que los lectores sepan entender que las palabras de este relato estarán colmadas de aquel suculento impacto. Aunque no me detendré en las múltiples imágenes subjetivas que la ciudad me ha aportado (lo que podríamos seguramente charlar personalmente cuando pase la cuarentena), intentaré transmitir algunas de interés musicológico para que resulte un relato acorde al objetivo de esta reseña.

Aquella mañana cálida del lunes dos de marzo caminé unas quince cuadras por el barrio Vedado hasta el famoso Malecón y casi frente a él me encontré con el edificio de la emblemática Casa de las Américas. Espacio de cultura, de arte, de teatro y de música, donde sentirse como en casa es fácil no solo por la cordialidad y afectuosidad de las personas que allí reciben a sus visitantes sino también por los coloridos espacios colmados de historia, arte y el sin igual olor a café.

El comienzo transcurrió como en todos los congresos: la recepción, acreditación, primeros intercambios informales y el posterior llamamiento a ingresar a la sala Che Guevara para dar inicio e inaugurar el encuentro. Toda la semana, la anfitriona del evento María Elena Vinueza y varias musicólogas colaboradoras estuvieron pendientes de todos los detalles técnicos y organizativos.

Se presentaron a los integrantes del Jurado del Premio de Musicología 2020 quienes tuvieron la tarea de leer y valorar más de una decena de libros llegados de varios países del continente: Berenice Corti (Argentina), Claudia Fallarero Valdivia (Cuba), Oscar Hernández Salgar (Colombia), Jesús Gómez Cairo (Cuba) y Alejandro Vera (Chile), quien fuera el premiado de la edición anterior. A lo largo de esos días cada uno de ellos dio una conferencia sobre su tema de investigación. Además se comentó que en esta oportunidad se conmemoraba el cuadragésimo aniversario de dicho premio y el onceavo del Coloquio Internacional.

En esta ocasión los homenajes fueron dedicados a dos musicólogas. Una de ellas, musicóloga cubana referente que celebra sus cien años y que ha delineado caminos para quienes transitan esta área de investigación en la isla caribeña: María Teresa Linares. Dedicada toda su vida a la docencia, a la producción musical y a la investigación musicológica, con valiosos aportes en relación al folklore cubano, los cruces musicales entre España y Cuba, la música popular cubana y “el punto cubano” y sus particularidades en cada zona del país. Sin duda Teresa ha tenido una fructífera carrera y ha cosechado amorosos vínculos entre quienes la agasajaron en esta edición ya que siempre las referencias que le prodigaron han sido emotivas y afectuosas. Por razones de salud ella no estuvo presente. Por otro lado, Rosa Elena Vázquez, musicóloga, compositora, cantante y escritora peruana, ganadora del Primer Premio de Musicología de esta Casa en 1979, varias veces jurado, conferencista y partícipe de los Coloquios Internacionales. Se destacó especialmente su compromiso social y su infatigable lucha por la memoria y expresiones de los pueblos latinoamericanos.

La conferencia inaugural titulada “La circulación de la música española en el Perú del siglo XVII: un cargamento con música enviado a Lima en 1689” estuvo a cargo de Alejandro Vera, que no solo comentó los resultados de su trabajo sino también relató “la cocina”, es decir, los entretelones de su encuentro con el objeto de estudio en los archivos de la Catedral Metropolitana de Perú, los cruces teórico-metodológicos que decidió utilizar para el análisis, anécdotas de su trabajo, imágenes sonoras con las que nos transportó al siglo XVII y cómo se habían sorteado ciertos inconvenientes de intercambios de músicas e instrumentos en aquella época.

A continuación, nos trasladamos a la biblioteca a visitar la exposición “Musicología en la Casa” y realizamos una ronda de presentaciones personales entre los expositores de Argentina, Chile, Brasil, Colombia, España, EEUU, México, Perú, Puerto Rico, Venezuela y Cuba.

Respecto a las demás conferencias, me centraré en la de la colega de nuestra asociación Berenice Corti, “Paul Wyer y las matrices afroatlánticas del jazz creol”, brindada el miércoles 4 por la mañana. Esta presentación sigue en la línea de los estudios que la musicóloga argentina transita desde hace algunos años sobre la música de jazz, las hibridaciones culturales, los sujetos afrodiaspóricos, las experiencias, intercambios y producciones musicales jazzísticas. En esta oportunidad, presentó la figura de Paul Wyer y su incursión en la escena de Buenos Aires en los años veinte, especialmente en la Boite Africa. Destaca en Wyer su modo de hacer música que se asocia a su creolidad: la dimensión performática repercute en la sonoridad como una especie de contracultura de la modernidad.

Las mesas temáticas estuvieron organizadas en torno a las siguientes perspectivas teórico-metodológicas: Teoría y crítica de la historiografía musical latinoamericana, enfoques actuales para la investigación musicológica de archivos y colecciones de música, nuevos paradigmas metodológicos basados en técnicas y formatos digitales, música y discursos contemporáneos y musicología, formación musical y gestión del conocimiento. Compartí mi ponencia “Resonancias del Martín Fierro a través de la palabra y la voz en el ballet Estancia Op. 8 de Alberto Ginastera” en la mesa de Teoría y crítica de la historiografía musical latinoamericana del día jueves 5 junto a los trabajos de Inmaculada Matía Polo sobre Pastora Imperio y Encarnación López, dos bailarinas y coreógrafas españolas que realizaron intervenciones artísticas en Uruguay, y Marisol Quevedo que presentó su ponencia sobre el Festival de música interamericano estimulado por la OEA y la relación política de quienes participaron en él en pleno contexto de la Guerra Fría. De las demás mesas por las que transité en esos días he podido registrar que las preocupaciones centrales que ocupan a los estudios musicológicos de la región circulan por los cruces entre música y política, los estudios sobre la conservación de música en archivos, la influencia de las nuevas tecnologías en el consumo musical, las metodologías de enseñanza de la música, las instituciones de formación musical y las producciones musicales latinoamericanas en relación a los entramados sociales. Sobrevuelan en las discusiones conceptos de identidad, memoria, historia, análisis musical, géneros musicales, estética y se han realizado sustanciosos aportes musicológicos sobre algunos creadores musicales poco estudiados hasta el momento.

Ha sido muy llamativa la presencia de estudiantes de conservatorios que han copado la sala en varias oportunidades y han realizado interesantes preguntas que favoreció el intercambio intergeneracional de saberes e inquietudes. Además, se pudo observar una mayoritaria participación de musicólogas mujeres aún cuando las cuestiones de género no han revestido evidente presencia en el encuentro.

Las jornadas también nos encontraron entre presentaciones de publicaciones como libros de Ediciones Cidmuc; del Sincopado habanero, vol IV, 2019; del Boletín Musical nº53; del libro María Teres Linares. Textos para la escucha; y de El dulce reato de la música. La vida musical en Santiago de Chile durante el período colonial de Alejandro Vera (Premio Musicología 2018) y documentales que fuimos a ver a la sala de cine de Fábrica de Arte Cubano. La Fábrica es un espacio cultural donde se reúnen las más novedosas expresiones artísticas de la vanguardia del arte cubano. Hay salas de concierto, salones para tomar clases de hip hop o improvisación, espacios de exposición de artes visuales y bares con terracitas para el esparcimiento. Allí nos congregamos para ver un concierto de música contemporánea francesa y cubana de los siglos XX y XXI interpretada por Luna Tinoco y Carolina Baños con proyecciones visuales a cargo de Raúl Morejón.

Entre los conciertos que fueron programados para disfrutar esos días se destacaron el de la apertura que presentó la Orquesta de Cámara Música Eterna, dirigida por Guido López-Gavilan y el de cierre por Pupy y los que son son. Estos últimos nos impulsaron a correr las sillas de la Sala Guevara y nos invitaron a bailar ritmos caribeños, resultando una verdadera fiesta de cierre de las intensas jornadas transcurridas.

El anuncio del Premio de Musicología 2020 colmó de aplausos la sala: Marita Fornaro y su obra Más allá del humor: articulación de lenguajes artísticos y procedimientos retóricos en la murga hispanouruguaya, resultó la obra premiada. Sobre ella el colombiano Óscar Hernández Salgar en nombre del jurado destacó que: «aporta un corpus de ideas y datos sin precedentes sobre un género importante de la cultura popular latinoamericana. Estos datos son de tipo etnográfico, iconográfico y archivístico entre otros, ya que incluyen fotografías, testimonios orales y documentos de archivo» y además dijo que su libro «tiene la virtud de incorporar diversos enfoques, tematizar aspectos escasamente abordados en obras anteriores sobre el mismo género y estar muy bien escrito».

El marco de aquellos días no pudo ser más sorprendente: La Habana me colmó de imágenes. Visité algunos museos y monumentos revolucionarios, el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, la fortaleza, anduve en los coco-taxis, vi al malecón embravecido al estilo de una sudestada porteña, comí arroz moro, tomé mojitos, escuché a la maravillosa Haydée Milanés (hija de Pablo) en un subterráneo bar de jazz, caminé mucho por las callecitas de la Habana Vieja, admiré los coloridos autos descapotables de los años ´50, anduve por la avenida del Prado, hojeé libros y saqué miles de fotografías. Sin dudas, una experiencia de musicología, música, imágenes, sonidos, sabores y colores inolvidable.

Silvina Luz Mansilla

Una vez más, con el entorno de la fragante primavera santafesina, tuvo lugar el encuentro ya habitual de músicos, docentes e investigadores, que transcurre en los años impares en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral. Preludiando la efectiva llegada de la nueva estación, entre el 18 y el 20 de septiembre de 2019, se dieron cita un público numeroso integrado principalmente por estudiantes de música, y una serie de intérpretes, pedagogos, compositores y musicólogos que sumaron debates, propuestas, talleres y disertaciones sobre la canción. “Será que la canción llegó hasta el sol” fue el título para la presentación de miradas, escuchas y reflexiones acerca de uno de los géneros artísticos más efectivos que, por reunir poesía y música, comprende de por sí una problemática atractiva, factible de múltiples perspectivas teóricas y metodológicas.

Nuestra reseña tiene la visión transversal del recorrido elegido, en función de posibilidades reales de participación e intereses personales, y también por causa de la multiplicidad de actividades en simultáneo, que atendieron a los diversos intereses de los participantes.

Una conferencia inaugural a cargo de una personalidad procedente del Centro Nacional de Documentación Musical “Lauro Ayestarán”, de Uruguay, Rubén Olivera, nos llevó por un repaso conceptual acerca de categorías claves como la identidad, la sinceridad artística, la creación. La presentación cubrió primero un aspecto informativo sobre la actividad actual y reciente del CNDM, matizada con ideas todavía algo provocadoras de Carlos Vega y Lauro Ayestarán, para luego pasar a una serie de reflexiones acerca de la world music, el concepto de espacio sonoro y el tema de la autenticidad en la música. Por no disponerse de un espacio para debate ni preguntas, quedaron flotando hilos conductores, derivaciones, posibles conjeturas y hasta quizá objeciones, que fueron factibles de ser retomados en otras sesiones.

La participación en el evento fue mayoritariamente juvenil, con un ambiente sumamente cordial y relajado que dio lugar a una interacción activa. Muy motivantes fueron las sesiones con trabajos etnomusicológicos, como los de Rosario Haddad y Soledad Venegas por un lado, y Norberto Demonte por el otro. También, resultaron muy atractivas las aproximaciones históricas a la canción escolar de tradición escrita, como la propuesta por Luisina García sobre el repertorio producido por Julián Aguirre, y la de Eugenia Amantía y Carla Díaz, quienes intentaron realizar una periodización desde fines del siglo XIX hasta fines de la década peronista basándose en una consistente documentación. A su vez, fue una verdadera ‘revelación’ la participación del muy novel investigador Marcelo Gastaldi, quien problematizó el modo de expresión musical de Carlos Aguirre y su trabajo sobre la propia intimidad, la matriz afectiva, para producir sus canciones. En el campo de la pedagogía, el problema de la canción y su utilización en la enseñanza general tuvo también un momento de profunda reflexión en los planteos de Pablo Lang, quien ha dedicado una tesis doctoral al asunto de la transmisión de la música en la escuela. En línea con la música de inspiración regional, dos trabajos versaron sobre la canción litoraleña: el primero, de Angélica Adorni, abordó las temáticas románticas en el repertorio popular de los años 60; el segundo, de Hector Gimenez, retomó el aporte de Carlos Guastavino a la canción del Litoral, visto desde una polémica hemerográfica ocurrida en la misma época tratada por Adorni.

Del coloquio organizado por la Asociación Argentina de Musicología, que tuvo lugar en el día central de este congreso, acaparó nuestra atención la presentación de Lautaro Díaz Geromet, quien aportó una revisión historiográfica sobre la historia del rock nacional, desmontando la construcción de una serie de mitos a lo largo del tiempo, que en cierta medida siguen instalados en la creencia común. Su interpelador, Julián Delgado, acertó en pedidos de ampliación y en un análisis crítico del aporte, que redundó en la profundidad de la nueva perspectiva sobre el tema. Pudimos escuchar, asimismo, la disertación de Hernán Gabriel Vázquez sobre identidades y música, quien fue interpelado por Martín Liut con ajustados comentarios. Su trabajo exploró una serie de ideas cristalizadas presentes en los discursos sobre la creación musical de algunos compositores argentinos, de distintas épocas. Instalada en la sociología y el análisis discursivo, se trató de una contribución que intentó ser un llamado a la reflexión sobre la necesidad historiográfica de considerar los aspectos económicos y su incidencia, a la hora de analizar las variables que intervienen en procesos de circulación y mediación de los distintos repertorios.

Una camaradería especial se produce en estos encuentros, con sus pausas de descanso acompañadas por músicas instrumentales y vocales en vivo. Allí pudimos escuchar desde un coro a cappella integrado por adolescentes de una escuela artística santafesina que entonó la comprometida canción de César Isella Fuego en Animaná (mencionada justamente en una sesión anterior en la que se habló de censuras y autocensuras), hasta conjuntos de estudiantes del Instituto Superior de Música. La bienvenida, en la apertura, estuvo a cargo de profesores y graduados del ISM, que nos llevaron por distintos repertorios vocales, algunos de clara inspiración regional. Las autoridades, docentes implicados en la comisión organizadora y personal anfitrión, como siempre, destacaron por su trabajo mancomunado y una organización horizontal, cooperativa, que resulta muy inspiradora y de gran aprendizaje para quienes transitan sus estudios de grado en esa casa de estudios.

Por Romina Dezillio

Ciudad de Buenos Aires, 2 de agosto de 2019

Ni tímidos, ni livianos, ni modestos; intensos, firmes y promisorios se presentaron nueve trabajos que abordan la música con lentes de género. La nuestra fue la mesa N° 39: “Escuchar las diferencias: género, cuerpo, música y sonido en el arte”, una de las 96 que hicieron estas jornadas. Nosotras, nueve de muchas, muchos, muches, cuyas voces agitaron las paredes de las facultades del campus de la Universidad Nacional de Mar del Plata.

Lo vivimos con mucha alegría y así quiero compartirlo hoy, el día después. Mi pensamiento toma siempre el camino de la historia, de modo que no puedo evitar la lógica del racconto… Todo comenzó el invierno pasado y la primera en imaginarlo fue Julia Kratje. Su propuesta encontró asidero inmediatamente en mi horizonte; en él se dibujaban pocos perfiles porque apenitas me había reincorporado a la actividad luego de cinco meses de licencia por maternidad. Modelado aquel presente por un registro alucinado de brazos, abrazos y noches sin dormir, dije que sí sin dudarlo. Con Julia pensamos juntas, intercambiamos, decidimos y esperamos que prosperara la ilusión de un espacio para la música en estas jornadas.

Una vez generado el espacio, el proyecto se concretó con los aportes de colegas que extendieron los límites de nuestro territorio a los países vecinos de Chile, Brasil y Uruguay. No puedo soslayar algunas de las experiencias previas por la que esta mesa se vio favorecida. Primero fue el III Coloquio de Ibermúsicas sobre investigación musical “Música y mujer en Iberoamérica: haciendo música desde la condición de género”, que tuvo lugar en agosto de 2017 en Santiago de Chile. De aquel encuentro en que once países fueron representados por mujeres investigadoras y artistas surgieron los lazos que esta vez trajeron a Lorena Valdebenito Carrasco de Chile; y de Brasil a Eliana Monteiro Da Silva. Un momento posterior lo constituyó la XXIII Conferencia de la AAM y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del INM “Carlos Vega”, reencuentro que dio lugar a una red de intercambios impulsados por Silvia Lobato que se consolidaron en torno al Tercer Congreso Chileno de Estudios en Música Popular “Género y sexualidad en  música popular: prácticas, articulaciones, disputas”, realizado en enero de 2019 en Santiago de Chile.

Con alguna de estas participaciones previas y otras afortunadas incorporaciones nuevas se armó esta mesa temática, nutrida de cruces e intercambios. Cuatro trabajos presentaron mujeres con importantes actuaciones en escenarios diversos del quehacer musical latinoamericano: Eliana Monteiro da Silva (Escola de Comunicações e Artes da USP) revisó el trabajo como intérprete de la pianista argentina residente en Brasil, Beatriz Balzi (1936-2001), centrándose en la serie de Cds Compositores Latinoamericanos (1984-2001). Por haber sido su discípula, Eliana ofreció testimonios de primera mano sobre la relación que Balzi entabló con los y las compositores/as interpretados en la serie con el propósito de alcanzar “la mejor interpretación” de cada obra. Centrada en la figura de Sara González, Lorena Valdebenito Carrasco (Universidad Alberto Hurtado, Santiago de Chile) aportó su estudio sobre la construcción de lo femenino en la Nueva Trova Cubana. La creación musical femenina de Pascuala Ilabaca y Fauna fue objeto de la presentación de Paloma Martín Vidal (Universidad de Chile). Natalia Guigou Rodriguez (UNA/UBA/Ministerio de Cultura y Ministerio de Educación) y Federico Guigou Rodriguez introdujeron a Antoinette Paula Pepin Fitzpatrick, conocida, a través de su seudónimo Pablo del Cerro, como co-creadora junto a Atahualpa Yupanqui de algunos de los íconos más populares del repertorio folclórico del país.

Géneros musicales y sus sentidos asociados al género tuvieron su análisis e interpretación en los trabajos de Mariana Signorelli (UBA): “Malambo, máscaras mágicas y limitaciones genéricas de género”;  Adriana Cerletti (UBA/UNA): “La virilidad de la cifra y la sensualidad de la milonga: retóricas de nacionalismo musical en clave de género”; y Romina Dezillio  (INMCV/ Damus-UNA): “‘No se nace cancionista, se llega a serlo’. Estudio sobre el proceso de surgimiento y consolidación de las cancionistas de tango”.

El trabajo de Julia Kratje (CONICET/UNA/ IIEGE/UBA) se centró en un estudio de lo sonoro en el film Malambo, el hombre bueno, de Santiago Losa para analizar “Coreografías, paisajes, silencios: resonancias y confines de la masculinidad en el cine argentino”. Silvia Lobato (UNQ/UNCUYO), a través del estudio de prensa periódica, profundizó en la “Música de conciertos, crítica musical y género en La Mujer. Revista Argentina para el hogar (1935-1943)”.

Estos y otros temas trascendieron las paredes de las aulas, como pasa siempre; pero como pocas veces: tuvieron protagonismo. Seguramente, cada participante tendrá su versión de este encuentro y solo la suma de las voces puede completar el relato. Porque esta mesa N° 39 en las XIV Jornadas Nacionales de Historia de las Mujeres: la hicimos entre todas.

Por Hernán Gabriel Vázquez

Luego de iniciarse en La Habana en 2014 y pasar por Santiago de Chile en 2016, la ciudad brasilera de Santos recibió a 117 musicólogos provenientes de 13 países, según las cifras oficiales, para desarrollar el 3^er. Congreso de ARLAC/IMS. La sede del evento fue el campus D. Idilio de la Universidad Católica de Santos y el Comité Organizador estuvo presidido por Diósnio Machado Neto (USP) y Antônio Eduardo Santos (UCS). Junto a un amplio equipo de colaboradores, la supervisión general y vínculo con los miembros de la asociación estuvo a cargo de Juan Pablo González, Coordinador de ARLAC/IMS. Es importante destacar la presencia de Egberto Bermudez, quien cumplió el múltiple rol de expositor, coordinador y flamante vicepresidente de la International Musicological Society.

Si bien ARLAC forma parte de una asociación que desde 1927 se dedicó a aglutinar investigadores dedicados a la denominada musicología histórica, los congresos que organiza se han caracterizado por la presencia de investigaciones que utilizan distintos abordajes metodológicos. Junto a trabajos dedicados a cuestiones históricas, de fuentes documentales y análisis o teoría musical, en Santos se expusieron ponencias sobre las denominadas músicas populares y étnicas donde la historia, la sociología, la antropología y la filosofía dialogaron a través de variados marcos conceptuales. Posiblemente, esta variedad de temas y aproximaciones se relacione con la amplitud que proporciona la organización del congreso: es la segunda oportunidad que la convocatoria es de temática libre y muchos de los participantes no son socios de IMS. Como miembro de la Asociación Argentina de Musicología, en cuyos congresos recibí parte de mi formación, no es una novedad escuchar en este tipo de eventos los resultados de investigaciones sobre análisis de obras producidas con la utilización de medios electrónicos, presentación de problemas archivísticos, postulaciones teóricas sobre cómo abordar el estudio de músicas tradicionales, las connotaciones sociales de la manifestación musical de una comunidad que habita regiones rurales o los problemas de un manuscrito colonial hallado detrás de un muro en una catedral. Pero eso no suele ser lo habitual un congreso de musicología histórica convencional, donde se mantiene la división de espacios del conocimiento. El propio coordinador de ARLAC, González, destacó el diálogo intradisciplinar que ha caracterizado a la AAM y sugirió tomarlo como ejemplo para ARLAC/IMS. Espero que esta diversidad se pueda mantener y, tal vez, poco a poco alcance a dejar su marca en la IMS. Claro que para eso será necesaria la incorporación de nuevos socios y, así, se incremente la representación regional para la elección del Directorium internacional.

Prácticamente la mitad de los participantes fueron oriundos de Brasil, en segundo lugar estuvieron los argentinos, seguidos de los expositores de Chile, Colombia, México, Cuba, Perú y Paraguay; más algunos provenientes de España, Estados Unidos, Suiza, Alemania, Croacia e Italia. Sólo en casos puntuales, a razón de limitaciones individuales, la comprensión de las presentaciones y el intercambio entre los asistentes se vio interferido por cuestiones idiomáticas. Esta cuestión fue ampliamente sobrepasada a la hora de llevar adelante el debate, que en ocasiones alcanzó a captar la mayor atención del público. Al parecer, el mutuo entendimiento entre luso e hispanohablantes ha logrado imponerse ante el uso del inglés como lingua franca.

Más allá de detalles estadísticos y de enunciar las actividades desarrolladas, ya que puede consultarse el programa, resúmenes y otros detalles en el sitio web http://3congreso.arlac-ims.com/, existió un marcado predominio de trabajos que abordaron problemáticas musicales acaecidas durante el siglo XX y lo que va del XXI. Los distintos temas fueron cuestionados por enfoques estrictamente musicales –desde el estudio de los procedimientos técnicos hasta aproximaciones hermenéuticas como la teoría tópica y el estudio de la representación–, como por la aplicación de otras disciplinas sociales como la política, economía y la diplomacia; y problemáticas donde la identidad, el género y la religión atraviesan el hacer musical. Otro conjunto de trabajos importantes estuvo dedicado a las músicas practicadas durante el período colonial de la región. Pocos fueron los investigadores que en esta oportunidad abordaron el siglo XIX. Es esperable que este no sea un tema dejado de lado por los musicólogos, y que solamente haya sido una imposibilidad de mostrar su producción en esta ocasión.

Las sesiones de comunicación de trabajos individuales, en mesas paralelas casi en su totalidad, estuvieron alternadas o compitieron con las mesas temáticas y sesiones especiales. Entre las últimas, se destacaron la presentación de un panorama de la música en la ciudad de Santos, un homenaje al musicólogo e instrumentista Régis Duprat (presente en el evento), una mesa redonda de los representantes globales y locales de RILM, RISM, RIPM y RIdIM dedicado a la cooperación en Latinoamérica para lograr estándares internacionales de catalogación, y un encuentro de editores de las revistas académicas de la región. En dicho encuentro se produjo un apasionado debate sobre cuestiones de política editorial e indexación internacional de las publicaciones, tema que no fue resuelto pero considero fue de utilidad para los distintos participantes. De uno u otro modo, la injerencia de los medios de comunicación, la tecnología y la política cultural sobrevoló o atravesó a todo el encuentro. En los pocos momentos plenarios, y en función de las elecciones de los expositores, los temas de política local –que condicionan el futuro de las actividades académicas y científicas– surgieron en boca de los oradores y fueron acompañados de aplausos (no masivos, posiblemente a que existió algún problema de comunicación). Un logro interno de ARLAC, pero con potencial de lograr intercambios con otras regiones, es la creación de grupos de trabajo. En esta oportunidad se realizó la reunión inaugural del Grupo de Trabajo “Francisco Curt Lange (1903-1997): vida y obra en una perspectiva transnacional y trans-disciplinaria”. El principal objetivo del grupo es trabajar con el archivo personal del musicólogo de origen alemán (quien desempeño su actividad en distintos paises de todo el continente americano) para desentrañar aspectos poco conocidos de su hacer y de una red de personalidades con quienes tuvo contacto. Cada jornada del congreso concluyó con un “evento especial” que consistió en recitales de distinto tipo de música, desde Gilberto Mendes o un club de chôros hasta música vocal del siglo XIII y XIV, y creaciones actuales para guitarra.

Hay que destacar la cordialidad con que los visitantes fuimos atendidos, además de que los organizadores estuvieron siempre presentes y atentos a resolver algún conflicto inesperado. Hubo alrededor de cien exposiciones que fueron distribuidas a lo largo de cuatro jornadas y media. Si bien la participación de público fue considerable, estuvo representada básicamente por los propios asistentes al congreso. Esto produjo que algunas sesiones fueran algo solitarias y es de lamentar la carencia de mayor cantidad de público externo. El manejo del tiempo y la distribución de cada sesión, así como del ordenamiento cronológico en el programa, fue una de las deudas de la organización y sería algo a tener en cuenta para el próximo congreso de ARLAC/IMS.

Este tercer encuentro de investigadores de la región ha marcado cierta posición sobre diversidad de miradas, pluralidad de lenguas y apertura al debate en torno al accionar musical de los habitantes y estudiosos. He participado activamente desde el primer congreso en La Habana (hasta merodeé la sala donde se originó ARLAC, en Roma, en 2012), he visto varios rostros repetidos y, por suerte, he tenido la oportunidad de ver nuevos participantes y relacionarme con muchos de ellos. En el hacer, con el diálogo, el disenso y con la oportunidad de escuchar y ser escuchado la investigación musical en Latinoamérica y el Caribe (si es necesario hacer esta distinción) podrá crecer y encontrar su lugar en la escena internacional. Estoy convencido de que para ser escuchado es necesario hablar claramente, de nuestro entorno musical o del surgido en tierras lejanas, entre nosotros y con otros.

Buenos Aires, 12 de agosto de 2017

Por Silvina Mansilla

Con el tema general «Música en tiempos de crisis», se realizó en la Universidad de Santiago de Chile del 12 al 15 de julio de 2017, el noveno congreso organizado por la Sociedad Chilena de Musicología. Procedentes de Colombia, Inglaterra, Estados Unidos, Brasil, España, Argentina y varias ciudades chilenas (Concepción, Valparaíso, La Serena, Talca y por supuesto, Santiago), los expositores fueron agrupados en distintas sesiones. Verdadero congreso internacional –con ponencias en español, portugués e inglés–, los ejes centrales fueron «Música y política», «Conceptos en crisis», «Música, política e historia», así como también espacios dedicados a la crisis en la formación musical, en la industria musical, en las instituciones, en la educación.

El ámbito fue el de la USACH, otrora denominada Universidad Técnica del Estado, espacio educativo que no ofrece carrera de música alguna pero que tiene una fuerte tradición en lo que hace a la extensión cultural. De hecho, su unidad «VIME» (Vinculación con el Medio) alojó y promovió a artistas emblemáticos de la escena chilena (como Víctor Jara, Quilapayún e Isabel Parra, entre otros), habiendo sostenido durante los años 70 y 80 un espacio de resistencia cultural ante la dictadura imperante, asunto que la distingue especialmente.

Las siguientes opiniones deben tomarse a título personal. Por un lado, por el hecho de que ante las mesas paralelas, resultó imposible presenciar todas las sesiones. Por el otro, porque sin duda la elección de qué colegas comentar va teñida ya de un recorte propio, sea por el área de trabajo, el conocimiento previo de algunos de ellos o el interés en conocer qué y cómo se trabaja en determinados ámbitos académicos. Así, nos resultó impecable el aporte de Alejandra Isaza, Dra. en Historia por la Universidad de Manchester, quien acercó una visión del contexto histórico-político colombiano durante la segunda mitad del siglo XIX y su relación con el cultivo de la ópera y los conciertos de música académica como forma de transformar a los habitantes en ciudadanos. También, la ponencia de Alejandro Vera –actual presidente de la SCHM–, que presentó a través del estudio del texto y de la música de un villancico de la segunda mitad del siglo XVIII alojado en la Catedral de Santiago, el contexto de crisis profunda en lo político que ocurría en el imperio hispánico y que está presente, dicho sin decirse (valga el oxímoron), en el caso en estudio: Al supremo Dios, las gracias.

Igualmente acabadas lucieron las presentaciones de Mélodie Michel, de la Universidad de California-Santa Cruz y Marysol Quevedo, de la Universidad de Miami. Jóvenes investigadoras, la primera es una instrumentista dedicada a la música antigua que ofreció un análisis de la práctica de ese repertorio en el suroeste europeo, en las últimas décadas, enfocado desde una perspectiva etnográfica. Su ponencia demostró cómo desde la crisis económica de 2008 se viene creando en países como Italia, España y Portugal, un sistema posmoderno de organización laboral en la early music, de trabajo en redes. Quevedo por su parte, nos acercó un trabajo sobre la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba y la organización de sus programas de conciertos durante los años 60 y 70, explicando cómo se entrelazaron la ideología revolucionaria y la estética musical europea con los intereses de los directores y la expectativa de legitimación de los compositores cubanos de música contemporánea resultando un repertorio ecléctico, que se dio a conocer en festivales y celebraciones realizadas en distintos lugares de la isla.

Un tema muy atractivo para quien escribe fue la mesa coordinada por Daniela Fugellie, de la Universidad «Alberto Hurtado», destinada a un intento de que las cuatro «R» (RILM, RISM, RIPM y RIDIM) de la Sociedad Internacional de Musicología pudieran potenciarse con la cooperación o interrelación con algunos trabajos sobre colecciones musicales ya realizados en Chile. Pudimos así conocer, luego de una introducción didáctica más que pertinente de la coordinadora, el admirable trabajo de catastro, inventario y catalogación de partituras que ha realizado Fernanda Vera en distintos repositorios chilenos. También, la riqueza iconográfica de varios miles de fotografías de músicos que ha sistematizado Juan Pablo González en un archivo digital; y finalmente, la catalogación de partituras en bibliotecas y archivos de música –con sus criterios a veces antagónicos– explicada por Cecilia Astudillo, encargada de la Sección Música de la Biblioteca Nacional de Chile. Nos preguntábamos allí, inevitablemente, sobre la situación argentina y lo mucho que podrían potenciarse trabajos similares, si hubiera voluntad y políticas que excedan la urgencia del día a día y ciertos resquemores acarreados por una política pequeñita, mezquina, que impide pensar en plazos medianos, programados para la vida de las instituciones y no tan solo para el ocasional lucimiento de algún funcionario.

En perspectiva afín a nuestro trabajo, resultó de sumo interés observar cómo se está estudiando la circulación de la música sinfónica de compositores chilenos del siglo XX, aplicando métodos cuantitativos al estudio desde la teoría de la recepción. Luis Merino, junto con el joven musicólogo Julio Nicolás Garrido Letelier, presentaron otra ponencia a nuestro parecer contundente, referida a la incidencia de la crisis institucional de la Universidad de Chile ocurrida desde la década de 1970 en la circulación de ciertos repertorios, que conllevó un cambio en el imaginario institucional transformando su hegemonía y trama simbólica.

Azarosamente, pude compartir una cena en un lugar «ideal para tiempos de crisis» –como lo definió Mauricio Valdebenito, a quien el presidente de la SCHM atribuyó en el discurso inaugural la autoría del tema convocante–, «El Hoyo», famoso espacio ligado a las tradiciones locales en el cual sociabilizan hasta hoy numerosos chilenos nostálgicos. Más allá de mi total ineptitud para probar la bebida típica –el «Terremoto», consistente en una mezcla de vino blanco, helado de piña, fernet y granadina–, la ocasión me permitió tomar contacto más de cerca con algunos colegas. Por razones personales no pude asistir al almuerzo de camaradería el último día. Una despedida blanca me alejaba ya ese mediodía de la metrópoli chilena, permitiéndoseme, otra vez por intervención del azar, la contemplación «desde arriba» de la inmensidad de la cordillera recién nevada… Maravillosa experiencia de intercambio y crecimiento, en lo humano y en lo académico, que guardaré entre mis mejores recuerdos.

Se puede acceder a los resúmenes y otros datos, aquí: http://www.schm.cl/