Notas

Cuando la academia baila al son de la música

por Lic. Mariana Signorelli

En aquellos días, cuando la peste no nos tenía al acecho, vivimo un intenso y sustancioso encuentro académico en el corazón del Caribe. Si a eso le sumamos que fue mi primera vez en la isla de Cuba y en la ciudad de La Habana, espero que los lectores sepan entender que las palabras de este relato estarán colmadas de aquel suculento impacto. Aunque no me detendré en las múltiples imágenes subjetivas que la ciudad me ha aportado (lo que podríamos seguramente charlar personalmente cuando pase la cuarentena), intentaré transmitir algunas de interés musicológico para que resulte un relato acorde al objetivo de esta reseña.

Aquella mañana cálida del lunes dos de marzo caminé unas quince cuadras por el barrio Vedado hasta el famoso Malecón y casi frente a él me encontré con el edificio de la emblemática Casa de las Américas. Espacio de cultura, de arte, de teatro y de música, donde sentirse como en casa es fácil no solo por la cordialidad y afectuosidad de las personas que allí reciben a sus visitantes sino también por los coloridos espacios colmados de historia, arte y el sin igual olor a café.

El comienzo transcurrió como en todos los congresos: la recepción, acreditación, primeros intercambios informales y el posterior llamamiento a ingresar a la sala Che Guevara para dar inicio e inaugurar el encuentro. Toda la semana, la anfitriona del evento María Elena Vinueza y varias musicólogas colaboradoras estuvieron pendientes de todos los detalles técnicos y organizativos.

Se presentaron a los integrantes del Jurado del Premio de Musicología 2020 quienes tuvieron la tarea de leer y valorar más de una decena de libros llegados de varios países del continente: Berenice Corti (Argentina), Claudia Fallarero Valdivia (Cuba), Oscar Hernández Salgar (Colombia), Jesús Gómez Cairo (Cuba) y Alejandro Vera (Chile), quien fuera el premiado de la edición anterior. A lo largo de esos días cada uno de ellos dio una conferencia sobre su tema de investigación. Además se comentó que en esta oportunidad se conmemoraba el cuadragésimo aniversario de dicho premio y el onceavo del Coloquio Internacional.

En esta ocasión los homenajes fueron dedicados a dos musicólogas. Una de ellas, musicóloga cubana referente que celebra sus cien años y que ha delineado caminos para quienes transitan esta área de investigación en la isla caribeña: María Teresa Linares. Dedicada toda su vida a la docencia, a la producción musical y a la investigación musicológica, con valiosos aportes en relación al folklore cubano, los cruces musicales entre España y Cuba, la música popular cubana y “el punto cubano” y sus particularidades en cada zona del país. Sin duda Teresa ha tenido una fructífera carrera y ha cosechado amorosos vínculos entre quienes la agasajaron en esta edición ya que siempre las referencias que le prodigaron han sido emotivas y afectuosas. Por razones de salud ella no estuvo presente. Por otro lado, Rosa Elena Vázquez, musicóloga, compositora, cantante y escritora peruana, ganadora del Primer Premio de Musicología de esta Casa en 1979, varias veces jurado, conferencista y partícipe de los Coloquios Internacionales. Se destacó especialmente su compromiso social y su infatigable lucha por la memoria y expresiones de los pueblos latinoamericanos.

La conferencia inaugural titulada “La circulación de la música española en el Perú del siglo XVII: un cargamento con música enviado a Lima en 1689” estuvo a cargo de Alejandro Vera, que no solo comentó los resultados de su trabajo sino también relató “la cocina”, es decir, los entretelones de su encuentro con el objeto de estudio en los archivos de la Catedral Metropolitana de Perú, los cruces teórico-metodológicos que decidió utilizar para el análisis, anécdotas de su trabajo, imágenes sonoras con las que nos transportó al siglo XVII y cómo se habían sorteado ciertos inconvenientes de intercambios de músicas e instrumentos en aquella época.

A continuación, nos trasladamos a la biblioteca a visitar la exposición “Musicología en la Casa” y realizamos una ronda de presentaciones personales entre los expositores de Argentina, Chile, Brasil, Colombia, España, EEUU, México, Perú, Puerto Rico, Venezuela y Cuba.

Respecto a las demás conferencias, me centraré en la de la colega de nuestra asociación Berenice Corti, “Paul Wyer y las matrices afroatlánticas del jazz creol”, brindada el miércoles 4 por la mañana. Esta presentación sigue en la línea de los estudios que la musicóloga argentina transita desde hace algunos años sobre la música de jazz, las hibridaciones culturales, los sujetos afrodiaspóricos, las experiencias, intercambios y producciones musicales jazzísticas. En esta oportunidad, presentó la figura de Paul Wyer y su incursión en la escena de Buenos Aires en los años veinte, especialmente en la Boite Africa. Destaca en Wyer su modo de hacer música que se asocia a su creolidad: la dimensión performática repercute en la sonoridad como una especie de contracultura de la modernidad.

Las mesas temáticas estuvieron organizadas en torno a las siguientes perspectivas teórico-metodológicas: Teoría y crítica de la historiografía musical latinoamericana, enfoques actuales para la investigación musicológica de archivos y colecciones de música, nuevos paradigmas metodológicos basados en técnicas y formatos digitales, música y discursos contemporáneos y musicología, formación musical y gestión del conocimiento. Compartí mi ponencia “Resonancias del Martín Fierro a través de la palabra y la voz en el ballet Estancia Op. 8 de Alberto Ginastera” en la mesa de Teoría y crítica de la historiografía musical latinoamericana del día jueves 5 junto a los trabajos de Inmaculada Matía Polo sobre Pastora Imperio y Encarnación López, dos bailarinas y coreógrafas españolas que realizaron intervenciones artísticas en Uruguay, y Marisol Quevedo que presentó su ponencia sobre el Festival de música interamericano estimulado por la OEA y la relación política de quienes participaron en él en pleno contexto de la Guerra Fría. De las demás mesas por las que transité en esos días he podido registrar que las preocupaciones centrales que ocupan a los estudios musicológicos de la región circulan por los cruces entre música y política, los estudios sobre la conservación de música en archivos, la influencia de las nuevas tecnologías en el consumo musical, las metodologías de enseñanza de la música, las instituciones de formación musical y las producciones musicales latinoamericanas en relación a los entramados sociales. Sobrevuelan en las discusiones conceptos de identidad, memoria, historia, análisis musical, géneros musicales, estética y se han realizado sustanciosos aportes musicológicos sobre algunos creadores musicales poco estudiados hasta el momento.

Ha sido muy llamativa la presencia de estudiantes de conservatorios que han copado la sala en varias oportunidades y han realizado interesantes preguntas que favoreció el intercambio intergeneracional de saberes e inquietudes. Además, se pudo observar una mayoritaria participación de musicólogas mujeres aún cuando las cuestiones de género no han revestido evidente presencia en el encuentro.

Las jornadas también nos encontraron entre presentaciones de publicaciones como libros de Ediciones Cidmuc; del Sincopado habanero, vol IV, 2019; del Boletín Musical nº53; del libro María Teres Linares. Textos para la escucha; y de El dulce reato de la música. La vida musical en Santiago de Chile durante el período colonial de Alejandro Vera (Premio Musicología 2018) y documentales que fuimos a ver a la sala de cine de Fábrica de Arte Cubano. La Fábrica es un espacio cultural donde se reúnen las más novedosas expresiones artísticas de la vanguardia del arte cubano. Hay salas de concierto, salones para tomar clases de hip hop o improvisación, espacios de exposición de artes visuales y bares con terracitas para el esparcimiento. Allí nos congregamos para ver un concierto de música contemporánea francesa y cubana de los siglos XX y XXI interpretada por Luna Tinoco y Carolina Baños con proyecciones visuales a cargo de Raúl Morejón.

Entre los conciertos que fueron programados para disfrutar esos días se destacaron el de la apertura que presentó la Orquesta de Cámara Música Eterna, dirigida por Guido López-Gavilan y el de cierre por Pupy y los que son son. Estos últimos nos impulsaron a correr las sillas de la Sala Guevara y nos invitaron a bailar ritmos caribeños, resultando una verdadera fiesta de cierre de las intensas jornadas transcurridas.

El anuncio del Premio de Musicología 2020 colmó de aplausos la sala: Marita Fornaro y su obra Más allá del humor: articulación de lenguajes artísticos y procedimientos retóricos en la murga hispanouruguaya, resultó la obra premiada. Sobre ella el colombiano Óscar Hernández Salgar en nombre del jurado destacó que: «aporta un corpus de ideas y datos sin precedentes sobre un género importante de la cultura popular latinoamericana. Estos datos son de tipo etnográfico, iconográfico y archivístico entre otros, ya que incluyen fotografías, testimonios orales y documentos de archivo» y además dijo que su libro «tiene la virtud de incorporar diversos enfoques, tematizar aspectos escasamente abordados en obras anteriores sobre el mismo género y estar muy bien escrito».

El marco de aquellos días no pudo ser más sorprendente: La Habana me colmó de imágenes. Visité algunos museos y monumentos revolucionarios, el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, la fortaleza, anduve en los coco-taxis, vi al malecón embravecido al estilo de una sudestada porteña, comí arroz moro, tomé mojitos, escuché a la maravillosa Haydée Milanés (hija de Pablo) en un subterráneo bar de jazz, caminé mucho por las callecitas de la Habana Vieja, admiré los coloridos autos descapotables de los años ´50, anduve por la avenida del Prado, hojeé libros y saqué miles de fotografías. Sin dudas, una experiencia de musicología, música, imágenes, sonidos, sabores y colores inolvidable.

Silvina Luz Mansilla

Una vez más, con el entorno de la fragante primavera santafesina, tuvo lugar el encuentro ya habitual de músicos, docentes e investigadores, que transcurre en los años impares en el Instituto Superior de Música de la Universidad Nacional del Litoral. Preludiando la efectiva llegada de la nueva estación, entre el 18 y el 20 de septiembre de 2019, se dieron cita un público numeroso integrado principalmente por estudiantes de música, y una serie de intérpretes, pedagogos, compositores y musicólogos que sumaron debates, propuestas, talleres y disertaciones sobre la canción. “Será que la canción llegó hasta el sol” fue el título para la presentación de miradas, escuchas y reflexiones acerca de uno de los géneros artísticos más efectivos que, por reunir poesía y música, comprende de por sí una problemática atractiva, factible de múltiples perspectivas teóricas y metodológicas.

Nuestra reseña tiene la visión transversal del recorrido elegido, en función de posibilidades reales de participación e intereses personales, y también por causa de la multiplicidad de actividades en simultáneo, que atendieron a los diversos intereses de los participantes.

Una conferencia inaugural a cargo de una personalidad procedente del Centro Nacional de Documentación Musical “Lauro Ayestarán”, de Uruguay, Rubén Olivera, nos llevó por un repaso conceptual acerca de categorías claves como la identidad, la sinceridad artística, la creación. La presentación cubrió primero un aspecto informativo sobre la actividad actual y reciente del CNDM, matizada con ideas todavía algo provocadoras de Carlos Vega y Lauro Ayestarán, para luego pasar a una serie de reflexiones acerca de la world music, el concepto de espacio sonoro y el tema de la autenticidad en la música. Por no disponerse de un espacio para debate ni preguntas, quedaron flotando hilos conductores, derivaciones, posibles conjeturas y hasta quizá objeciones, que fueron factibles de ser retomados en otras sesiones.

La participación en el evento fue mayoritariamente juvenil, con un ambiente sumamente cordial y relajado que dio lugar a una interacción activa. Muy motivantes fueron las sesiones con trabajos etnomusicológicos, como los de Rosario Haddad y Soledad Venegas por un lado, y Norberto Demonte por el otro. También, resultaron muy atractivas las aproximaciones históricas a la canción escolar de tradición escrita, como la propuesta por Luisina García sobre el repertorio producido por Julián Aguirre, y la de Eugenia Amantía y Carla Díaz, quienes intentaron realizar una periodización desde fines del siglo XIX hasta fines de la década peronista basándose en una consistente documentación. A su vez, fue una verdadera ‘revelación’ la participación del muy novel investigador Marcelo Gastaldi, quien problematizó el modo de expresión musical de Carlos Aguirre y su trabajo sobre la propia intimidad, la matriz afectiva, para producir sus canciones. En el campo de la pedagogía, el problema de la canción y su utilización en la enseñanza general tuvo también un momento de profunda reflexión en los planteos de Pablo Lang, quien ha dedicado una tesis doctoral al asunto de la transmisión de la música en la escuela. En línea con la música de inspiración regional, dos trabajos versaron sobre la canción litoraleña: el primero, de Angélica Adorni, abordó las temáticas románticas en el repertorio popular de los años 60; el segundo, de Hector Gimenez, retomó el aporte de Carlos Guastavino a la canción del Litoral, visto desde una polémica hemerográfica ocurrida en la misma época tratada por Adorni.

Del coloquio organizado por la Asociación Argentina de Musicología, que tuvo lugar en el día central de este congreso, acaparó nuestra atención la presentación de Lautaro Díaz Geromet, quien aportó una revisión historiográfica sobre la historia del rock nacional, desmontando la construcción de una serie de mitos a lo largo del tiempo, que en cierta medida siguen instalados en la creencia común. Su interpelador, Julián Delgado, acertó en pedidos de ampliación y en un análisis crítico del aporte, que redundó en la profundidad de la nueva perspectiva sobre el tema. Pudimos escuchar, asimismo, la disertación de Hernán Gabriel Vázquez sobre identidades y música, quien fue interpelado por Martín Liut con ajustados comentarios. Su trabajo exploró una serie de ideas cristalizadas presentes en los discursos sobre la creación musical de algunos compositores argentinos, de distintas épocas. Instalada en la sociología y el análisis discursivo, se trató de una contribución que intentó ser un llamado a la reflexión sobre la necesidad historiográfica de considerar los aspectos económicos y su incidencia, a la hora de analizar las variables que intervienen en procesos de circulación y mediación de los distintos repertorios.

Una camaradería especial se produce en estos encuentros, con sus pausas de descanso acompañadas por músicas instrumentales y vocales en vivo. Allí pudimos escuchar desde un coro a cappella integrado por adolescentes de una escuela artística santafesina que entonó la comprometida canción de César Isella Fuego en Animaná (mencionada justamente en una sesión anterior en la que se habló de censuras y autocensuras), hasta conjuntos de estudiantes del Instituto Superior de Música. La bienvenida, en la apertura, estuvo a cargo de profesores y graduados del ISM, que nos llevaron por distintos repertorios vocales, algunos de clara inspiración regional. Las autoridades, docentes implicados en la comisión organizadora y personal anfitrión, como siempre, destacaron por su trabajo mancomunado y una organización horizontal, cooperativa, que resulta muy inspiradora y de gran aprendizaje para quienes transitan sus estudios de grado en esa casa de estudios.

Por Romina Dezillio

Ciudad de Buenos Aires, 2 de agosto de 2019

Ni tímidos, ni livianos, ni modestos; intensos, firmes y promisorios se presentaron nueve trabajos que abordan la música con lentes de género. La nuestra fue la mesa N° 39: “Escuchar las diferencias: género, cuerpo, música y sonido en el arte”, una de las 96 que hicieron estas jornadas. Nosotras, nueve de muchas, muchos, muches, cuyas voces agitaron las paredes de las facultades del campus de la Universidad Nacional de Mar del Plata.

Lo vivimos con mucha alegría y así quiero compartirlo hoy, el día después. Mi pensamiento toma siempre el camino de la historia, de modo que no puedo evitar la lógica del racconto… Todo comenzó el invierno pasado y la primera en imaginarlo fue Julia Kratje. Su propuesta encontró asidero inmediatamente en mi horizonte; en él se dibujaban pocos perfiles porque apenitas me había reincorporado a la actividad luego de cinco meses de licencia por maternidad. Modelado aquel presente por un registro alucinado de brazos, abrazos y noches sin dormir, dije que sí sin dudarlo. Con Julia pensamos juntas, intercambiamos, decidimos y esperamos que prosperara la ilusión de un espacio para la música en estas jornadas.

Una vez generado el espacio, el proyecto se concretó con los aportes de colegas que extendieron los límites de nuestro territorio a los países vecinos de Chile, Brasil y Uruguay. No puedo soslayar algunas de las experiencias previas por la que esta mesa se vio favorecida. Primero fue el III Coloquio de Ibermúsicas sobre investigación musical “Música y mujer en Iberoamérica: haciendo música desde la condición de género”, que tuvo lugar en agosto de 2017 en Santiago de Chile. De aquel encuentro en que once países fueron representados por mujeres investigadoras y artistas surgieron los lazos que esta vez trajeron a Lorena Valdebenito Carrasco de Chile; y de Brasil a Eliana Monteiro Da Silva. Un momento posterior lo constituyó la XXIII Conferencia de la AAM y XIX Jornadas Argentinas de Musicología del INM “Carlos Vega”, reencuentro que dio lugar a una red de intercambios impulsados por Silvia Lobato que se consolidaron en torno al Tercer Congreso Chileno de Estudios en Música Popular “Género y sexualidad en  música popular: prácticas, articulaciones, disputas”, realizado en enero de 2019 en Santiago de Chile.

Con alguna de estas participaciones previas y otras afortunadas incorporaciones nuevas se armó esta mesa temática, nutrida de cruces e intercambios. Cuatro trabajos presentaron mujeres con importantes actuaciones en escenarios diversos del quehacer musical latinoamericano: Eliana Monteiro da Silva (Escola de Comunicações e Artes da USP) revisó el trabajo como intérprete de la pianista argentina residente en Brasil, Beatriz Balzi (1936-2001), centrándose en la serie de Cds Compositores Latinoamericanos (1984-2001). Por haber sido su discípula, Eliana ofreció testimonios de primera mano sobre la relación que Balzi entabló con los y las compositores/as interpretados en la serie con el propósito de alcanzar “la mejor interpretación” de cada obra. Centrada en la figura de Sara González, Lorena Valdebenito Carrasco (Universidad Alberto Hurtado, Santiago de Chile) aportó su estudio sobre la construcción de lo femenino en la Nueva Trova Cubana. La creación musical femenina de Pascuala Ilabaca y Fauna fue objeto de la presentación de Paloma Martín Vidal (Universidad de Chile). Natalia Guigou Rodriguez (UNA/UBA/Ministerio de Cultura y Ministerio de Educación) y Federico Guigou Rodriguez introdujeron a Antoinette Paula Pepin Fitzpatrick, conocida, a través de su seudónimo Pablo del Cerro, como co-creadora junto a Atahualpa Yupanqui de algunos de los íconos más populares del repertorio folclórico del país.

Géneros musicales y sus sentidos asociados al género tuvieron su análisis e interpretación en los trabajos de Mariana Signorelli (UBA): “Malambo, máscaras mágicas y limitaciones genéricas de género”;  Adriana Cerletti (UBA/UNA): “La virilidad de la cifra y la sensualidad de la milonga: retóricas de nacionalismo musical en clave de género”; y Romina Dezillio  (INMCV/ Damus-UNA): “‘No se nace cancionista, se llega a serlo’. Estudio sobre el proceso de surgimiento y consolidación de las cancionistas de tango”.

El trabajo de Julia Kratje (CONICET/UNA/ IIEGE/UBA) se centró en un estudio de lo sonoro en el film Malambo, el hombre bueno, de Santiago Losa para analizar “Coreografías, paisajes, silencios: resonancias y confines de la masculinidad en el cine argentino”. Silvia Lobato (UNQ/UNCUYO), a través del estudio de prensa periódica, profundizó en la “Música de conciertos, crítica musical y género en La Mujer. Revista Argentina para el hogar (1935-1943)”.

Estos y otros temas trascendieron las paredes de las aulas, como pasa siempre; pero como pocas veces: tuvieron protagonismo. Seguramente, cada participante tendrá su versión de este encuentro y solo la suma de las voces puede completar el relato. Porque esta mesa N° 39 en las XIV Jornadas Nacionales de Historia de las Mujeres: la hicimos entre todas.